viernes, 25 de noviembre de 2016

Análisis de la obra cuadrado blanco sobre fondo blanco

          ANALISIS DE LA OBRA DE ARTE: CUADRADO BLANCO
       SOBRE FONDO BLANCO DE MALEVICH





Biografia del artista
Kazimir Malevich Severinovich nació cerca de Kiev en 1878. Sus padres polacos habían huido a Ucrania a raíz del levantamiento de 1863. La mayor parte de sus años de infancia lo paso en el medio rural alrededor de Kiev y muchas de su pintura se inspiraron por la vida rural. Comenzó a pintar a la edad de quince años y a mediados de la década de 1890 la familia se trasladó a Konotop, ciudad en la línea ferroviaria entre Kiev y Kursk. Desde 1898 a 1901 vivió en Kursk, en donde realizó sus primeros paisajes. En 1901 se casa y durante unos años trabajó como dibujante para las empresas ferroviarias. Fue a la muerte de su padre que se instala en Moscú.
Malevich estudió con Chechkin e Ilia Repin, miembros del grupo “Ambulantes”, quienes se caracterizaban por pintar al estilo impresionista con tintes academicistas. Sin embargo, la insatisfacción al no encontrar un estilo propio, le hizo experimentar varias veces, desde el impresionismo al simbolismo, y del fauvismo al Cubismo y el Cubofuturismo. De sus primeras pinturas, muy pocas obras originales han quedado, y en algunos casos varias han sido reelaboradas por considerarlas hitos importantes de una época de su carrera (Fauchereau, Serge, 1982. p. 11). Pero el principal artista que ejercerá influencia en su arte es Cezanne de quien diría en su último artículo, escrito aun en vida, ´Forma, color y sensación:
´Dentro de la historia de la pintura, en la persona de Cezanne tenemos el apogeo de su evolución”  [Y más adelante dice]… Observa ante todo la libertad de Cezanne ante el tema pretexto del cuadro, pues el tema no tiene interés sino por aquello, específicamente pictórico, que se puede extraer de él” (Fauchereau, Serge, 1982, p. 15).
La influencia de Cezanne se unen a los colores puros del fauvismo, especialmente entre los años de 1910 y1911, en donde la construcción se convierte en un elemento primordial.” (Fauchereau, Serge, 1982, p. 16). Absorbió  también influencias populares y sus figuras monumentales campesinas fueron definitivamente de espíritu ruso, caracterizados por los ojos grandes, almendrados y de mirada fija en la verdadera realidad, inspiradas a su vez en los iconos ortodoxos. "El arte del icono es la forma superior de arte campesino," dijo Malevich.
Resulta curioso que, en sus obras, Malevich manifiesta su espíritu optimista e intelectual de una manera muy particular, especialmente a partir de 1904, donde se aprecia la presencia de colores notablemente más claros en su paleta, junto a una alegría hasta entonces desconocida. A partir de este momento podemos observar, la mayor parte de las veces, el predominio de un solo color. (Fauchereau, Serge, 1982. p. 11).     
Entre 1912 y 1915 Malevich se traslada de Moscú a San Petersburgo, donde se une al grupo futurista ruso, donde se encontraban D. Burliuk, Alexander Kruchenyj, Vladimir Maiakovsky y Víctor Jlébnikov y cuyo primer manifiesto, Una bofetada en la cara de los gustos del público, sale en diciembre de 1912. En dicho manifiesto declaran que los últimos maestros de la literatura rusa deben ser arrojados por la borda del vapor de la actualidad. . Su evolución personal desde 1912 le orienta hacia el cubismo, estética llegada de Paris de la que Matiuchin es a la vez presentador y comentado. También experimenta con el collage Eclipse parcial con Mona Lisa (1914), en donde hace pegar una imagen desgarrada y tachada de la Mona Lisa, obra que anticipa la obra de Marcel Duchamp  HOOQ (1919), agregando inscripciones propias de Malevich en el que se lee "apartamento vacío" y "en Moscú".


      Composicion con Mona Lisa (Eclipse parcial en Moscu)
             hacia 1915 – 1916. Óleo sobre lienzo y collage,
              71x54cm. Antigua colección A. Leposrkaya.


La cercanía con este movimiento le impulsa a experimentar con el lenguaje, especialmente con el alogismo (lo que no tiene lógica), estética específicamente rusa vinculada al trabajo poético de Khlebnikov y Kruchenij y sobre todo con el Zaum. Para que se pueda comprender que significa el Zaum, diremos que son los experimentos lingüísticos en el simbolismo del sonido en busca de la creación de un idioma. El termino Zaum puede ser traducido como lo Tranracional y se define como el lenguaje poético experimental que se caracteriza por la indeterminación en el significado, en busca de la musicalidad del sonido. (Fauchereau, Serge, 1982. p. 24). El Zaum es un lenguaje poético autosuficiente, no referencial, un lenguaje experimental  compuesto de neologismos ricos en sonidos pero ausente en gramática y en sintaxis, y en donde el espectador comprende el lenguaje a través de la intuición y no por la lógica (Rebón, Martha; Mateo, Ferrán, p. 9).
A través del Zaum, Khlebnikov y Kruchenij buscan traspasar el sentido de las palabras comunes, y para Malevich significa haber encontrado un radicalismo similar a la pintura. Entonces, realizaron varias obras en conjunto, entre las que hay que mencionar el volumen Los tres (poemas de Khlebnikov, Kruchenij y Helena Guro, con ilustraciones de Malevich) y sobre todo la opera Victoria sobre el sol (1913). Para esta obra participa haciendo los figurines del vestuario y la escenografía, en un estilo no naturalista, y en ella aparece por primera vez el cuadrado negro como fondo de cortina. Esta figura, para un pintor como Malevich, es alcanzar a un grado cero pero no es un gesto nihilista sino como una vuelta a los orígenes simples, liberados de las trabas convencionales. La primera puesta en escena en el teatro Luna Park en San Petersburgo causo un escándalo y recibió silbidos y protestas.
Además de la pintura, Malevich produjo litografías, decoraciones para fiestas revolucionarias, ilustrado y folletos diseñados. Con Nikolai Kulbin y Olga Rozanova ilustró libros futuristas, y durante la guerra hizo litografías patrióticas, que siguieron el estilo de luboks y algunos de ellos tal vez fueron redactados por Maiakovski
Por otra parte, los grupos vanguardistas de San Petersburgo estaban interesados en la cuarta dimensión, que es un concepto emanado de las investigaciones de matemáticos como Lobachevski, Riemann y Minkovski, y estas ideas ya estaban en el ambiente a inicios de siglo y no tardan en suscitar especulaciones filosóficas y estéticas. En Rusia estas ideas fueron difundidas por Piotr Uspensky que, en su obra Tertium Organum (1911), desarrolla ideas tomadas del inglés Charles Howard Hinton.
En 1914 Marinetti visita Moscú y, posteriormente, en el mes de febrero, Malévich y Morgunov hacen una demostración futurista. También en ese mismo año participa con varias obras en el Salón de los Independientes de París. El año siguiente participa en la exposición Tranvía V: Primera Exposición Futurista en Petrogrado con Mujer en el tranvía y Caballero en Moscú. Pero es 1915 el año del nacimiento del Suprematismo, junto a un texto escrito por Malévich para presentar su propio trabajo en su segunda exposición llamada 0,10: Última Exposición Futurista; 3. En ella cuelga treinta y nueve obras abstractas y las presenta como el nuevo realismo pictórico, entre las que se encontraba el famoso Cuadrado Negro, que supone un giro capital en su obra pictórica y de toda la pintura moderna. En su texto Del cubismo al suprematismo. El nuevo realismo pictórico”, de 1916 dice: El cuadrado es una forma de subconsciente. Es la creación de la razón intuitiva. El rostro del nuevo arte. (...). A partir del cuadrado, el artista, se libera de todo modelo natural y podrá crear  verdaderamente. Desde ahora y hasta el fin de su vida, el cuadrado será fundamento de su arte, lo cual será consecuencia lógica. Él Suprematismo en su evolución histórica ha tenido tres etapas: la del negro, la del color y la del blanco (…) el cuadrado negro como signo de economía, el cuadrado rojo como señal de revolución y el cuadrado blanco como puro movimiento (Tomado de sus escritos)… en abril de 1919 Malevich exclama jubilosamente: He perforado la pantalla azul de las limitaciones coloreadas, he llegado al blanco (…) vogad¡ El abismo libre blanco, el infinito esta delante de nosotros” ((Fauchereau, Serge, 1982. p. 43)   
Pinto 39 composiciones suprematistas que fueron exhibidas en Petrogrado en diciembre de 1915 bajo el título de 0,10. Su sala de exposición fue denominada la Plaza Negra. Durante la exposición Malevich publicó 'Ot i kubizma futurizma k suprematizmu' (1915). En busca del color supremo Malevich produjo Blanco sobre blanco. Después de la revolución de febrero de 1917, Malevich se asoció brevemente con los anarquistas, presidió la sección de arte del Consejo de Diputados de Moscú soldados, y enseñó en el UNOVIS Forjadores libres del Arte Nuevo). Durante este período el suprematismo fue el nuevo lenguaje artístico del nuevo orden. En Petrogrado Malevich diseñó los decorados y el vestuario para la obra de teatro de Maiakovski Misterio bufo (1918). Malevich también tradujo las formas de sus pinturas en modelos arquitectónicos tridimensionales, al que llamó "arquitectones o planits" de la palabra rusa aeroplan Varios de los diseños fueron exhibidos en la Bienal de Venecia en junio de 1924.
Enseño en el Instituto de Arte de Vitebsk desde 1919 hasta 1922, reemplazando a Marc Chagall como director. En 1919 escribió ' O novik sistemakh v iskusstva' (Los nuevos sistemas en el arte). Los ensayos de Malevich sobre arte, diseñados por Il Lissitzky, su colega, se publicaron en Vitebsk. Su primera exposición individual se llevó a cabo en Moscu de 1919 a1920. Se componía de 153 obras. Para la fábrica de porcelana Lomosov diseñó tazas y teteras. Inmediatamente después de la muerte de Lenin en 1924, Malevich comparó el líder revolucionario a Cristo y sugirió que su cuerpo debe ser colocado:

… en un cubo, como si estuviera en la eternidad. El cubo de la eternidad debe ser construido como un signo de su unidad con los muertos (Kramer, Hilton, 1990. p. s/n).

Malevich en 1927 hizo un viaje a Alemania, y visitó la Bauhaus en Dessau, en donde publicó su libro El mundo no-objetivo. Al regresar a Moscu dejó sus manuscritos y un grupo de pinturas en Berlín para la Exposición de Arte de Berlín en una sección separada. En 1929-1930 Malevich enseñó en Kiev, en donde realizó una exposición de sus obras en el museo de la ciudad. También tuvo una exposición individual en la Galería Tretiakov en Moscú. Durante la década de 1930 todas las artes vanguardistas fueron suprimidas. La unión del artista proletario lanzo su ataque contra los modernistas, y el realismo socialista se estableció como la única forma oficial de expresión artística. Por sus contactos en Alemania, Malevich fue detenido durante un breve periodo en 1930. En 1933 Malevich fue acusado de formalista. Volviendo a la figuración, comenzó a pintar inspirándose en los artistas renacentistas como Hans Holbein y los artistas del renacimiento italiano. Su última pintura fue su Autorretrato (1933). En todas ella seguía firmando con el cuadrado negro emblemático. Muere de cáncer en Leningrado el 15 de mayo de 1935. En su lecho de muerte se exhibió con el cuadrado negro encima de él. Sus cenizas fueron enviadas a Nemchinovka, y fue enterrado en un campo cerca de su dacha. Un cubo blanco decorado con un cuadrado negro fue colocado en su tumba. (Liubkonen, Petri. 1991. Pp. 1 – 5)

                                                                  



CATALOGACION:
Tipo de Bien: Pintura          
Título:            Cuadrado blanco sobre fondo blanco
Autor:            Malevich, Kasimir
Lugar:            Moscú
Fecha:            1918
Estilo:            Suprematismo
Técnica:         Oleo sobre lienzo
Medidas:        Alto: 79.4x79.4 cm     
Estado de conservación: Bueno.
Ubicación actual: Museum of Modern Art, Nueva York (Moma)

ANALISIS PRE ICONOGRAFICO
Figura cuadrada de color blanco sobre un fondo blanco. La figura aparece casi al centro del cuadro, habiendo una distancia entre la figura y el marco. A su vez, aparece ligeramente inclinada hacia la izquierda del cuadro. Esa posición crea una oposición entre el cuadrado del marco y el cuadrado de la figura, como si el cuadrado tratara de salir del cuadro. Va hacia Por ese movimiento se dirige hacia la derecha. Esa posición hace que la mirada vaya hacia esa dirección, aumentada en el peso de la figura  cuadrada en esa zona. Por otra parte, el peso que tiene la forma cuadrada se aligera con el color blanco, lo espiritual. La profundidad del fondo no lo da la perspectiva sino el color blanco del lienzo, así como el tamaño que es un poco menor que el lienzo. Se encuentra aislada. Es una figura bidimensional, tomado de los iconos rusos y del arte popular ruso o Lubok.


Posee cierto desequilibrio pero este no llega a producirse este efecto, con lo cual causa un efecto de movimiento de izquierda a derecha, al igual que la lectura de un texto. Por otra parte, la forma cuadrada es una figura simple y muy simétrica. Esa figura simple puede causarnos una mala impresión y compararlo con una pintura infantil por su simplicidad. Pero esa simplicidad es porque busca un mínimo de complejidad. Busca el orden.
Está ligeramente inclinada, pero esta inclinación hace que termine convirtiéndose en un rombo o un diamante. Sigue siendo un cuadrado. En cuanto al peso de la figura, a pesar de encontrarse aislada, ser una forma cuadrada y encontrarse en primer plano, por la ubicación en el espacio, se encuentra medio desnivelado del centro, lo que le quita esa sensación de peso, y más aun teniendo en cuenta que este se encuentra distanciado más de lo normal de la zona inferior, lo que le da la sensación de encontrarse flotando. Esta venciendo a la gravedad que empuja a los objetos pesados al suelo. Pero también se nos aparece como inalcanzable. 

En cuanto a la forma, al ser solo la figura geométrica del cuadrado, pese a ser una forma simple, denota orden y parsimonia. Si dividimos el espacio de la pintura, descubrimos que el espacio del cuadro se compone de cuatro cuadrados, los cuales también se observan en el cuadrado blanco. Estos cuadrados no coinciden con los del cuadrado dl cuadro ya que al desplazarse hacia arriba terminan formando líneas paralelas; sin embargo, a pesar de ello, no rompen completamente con los del cuadrado del marco, y hay entonces una armonía entre ellos. Se mantiene el equilibrio total entre las proporciones, distancias y direcciones. 





La línea roja gruesa resalta el movimiento del cuadrado

Se reproduce el esqueleto estructural de la concepción visual, tal como se ve. Pero es más que eso pues es el símbolo visual de la idea de cuadrado, por ese motivo no hay volumen ni profundidad, el color  y la expresión son simples.  Sin embargo, esa simplicidad no significa que esta forma sea convertida en ornamental ya que el hecho de tener un movimiento, de estar animado, impide a que esta figura pierda su sentido y se convierta en un elemento decorativo
Esta figura no ha sido hecha sino a mano, tal como se puede contemplar de forma detenida en los bordes. Estos bordes están constituidos por líneas simples, es una línea de contorno. Por este contorno obtenemos una superficie plana. Sin embargo el contorno es débil, ligero, al igual que en un mosaico bizantino con fondo dorado de la Iglesia de Ravenna, en Italia.   




Detalle
 En cuanto al fondo, la superficie del cuadrado es plano, pero el artista ha tenido el cuidado de diferenciar la superficie del cuadrado con el de la superficie del lienzo, y solucionándolo al darle dos tonos diferentes de blanco; así, pues utiliza un blanco frio y ligeramente azulado en el cuadrado, mientras que para el lienzo recurre al blanco cálido ligeramente ocre. A través de esta diferencia, crea dos planos. Primer plano y segundo plano.


La luz, Malevich la produce a través del color blanco. no imita la luz natural, sino se crearía sombra en la figura, y también hay luz que proviene del mismo objeto. La diferencia entre una y otra es la calidad de luz, porque mientras que la luz del cuadrado es celestial (por la tonalidad azulina), es fría, la otra es un blanco cálido como si proviniera de la luz del sol.  Es un blanco resplandeciente que rodea al cuadrado blanco, y cuya fuerza hace que destaque la forma del cuadrado. Por otra parte, es una luz diurna, y ello la vincula con la luz de Dios, Cristo, la Verdad la virtud, la salvación, como se observa en las iglesias góticas. Es una energía radiante, casi como el halo que emana de un santo. Y gracias al color blanco es que el cuadrado adquiere la forma, y no por la línea, que es formada por el color. Y esto es una herencia, que proviene del Renacimiento, en el que el color es más importante que el dibujo. Y también es influencia del pensamiento de Goethe para quien es más importante la luz del sol (Arnheim, Rudolf, 1995. p. 372).  Ello produce armonía, al igual que sucede en los iconos rusos donde el color dorado rodea a las figuras de colores azules, rojos, verdes y amarillos fríos.  
Por último, esta pintura posee un dinamismo pero lento como si fuera el movimiento del sol en los cielos, o como el crecimiento de las plantas o el movimiento de las células.

Análisis iconográfico
Dentro de esta pintura hay dos aspectos a destacar que son el cuadrado y la luz. La figura cuadrada es una de las figuras simbólicas más frecuentes cono representación de lo estático e inmóvil, y simboliza la tierra en contraposición al cielo, lo limitado frente a lo ilimitado. Esto no solo se aplica para los pueblos antiguos sino también para el arte cristiano, y se utiliza en los nimbos de los santos que todavía viven (en la época en que son retratados), para indicar que todavía pertenecen a este mundo. También simboliza los cuatro puntos cardinales, por lo que es de uso frecuente en las plantas de los templos, altares y ciudades, así como unidad arquitectónica, especialmente en la arquitectura románica. Para los pitagóricos simbolizaría la acción conjunta de los cuatro elementos y, por tanto, las fuerzas reunidas de Afrodita, Demeter, Hestia y Hera. Por último, para Platón, simboliza la belleza absoluta (Becker, Udo. 2003. P. 95). El uso más común de las formas geométricas es en el Arte Popular, por ejemplo en los bordados populares, como se observa en los ejemplos abajo mostrados que provienen del arte popular ucraniano y que pudo haber sido una de las referencias para su pintura.



         Bordado rojo sobre fondo blanco. Arte popular ucraniano

Acerca de la luz,  se establece el simbolismo de la luz en cuanto a que, como su esencia se escapa a nuestro entendimiento, es utilizado para significar lo inmaterial, lo espiritual y la divinidad, pero también la vida y la felicidad. En las artes plásticas, la iluminación de un personaje se logra a través de un halo, una aureola o un nimbo (Becker, Udo, 2003. p. 197).
Análisis iconológico
En primer lugar, debemos señalar que esta es la primera pintura monocroma que aparece dentro de la historia del arte occidental, de la que el propio artista diría que es la abolición del arte del pasado en tanto creación de un mundo nuevo (Larousse: Monochrome. s/f. p. s/n.). Esta visión sintética de la pintura es el resultado de sus búsquedas hacia la abstracción por medio de la percepción humana y de su interés hacia las propiedades místicas de la geometría (Golding, John, 2003. p. 49). Este interés se inicia desde sus más tempranas  búsquedas de la pintura, a partir de su acercamiento al postimpresionismo, donde el estudio de las formas de la naturaleza hace que los colores del paisaje se conviertan  en pigmentos puros y pastosos, los cuales confieren a la composición imágenes casi abstractas y planas.
Posteriormente, su acercamiento al cubismo, visto de una manera parcial, y en donde aplica al pie de la letra el principio de Cezanne, hace que las formas se vuelvan en figuras geométricas simples, similares a formas tubulares metálicas, los cuales se juntan hasta formar una composición de formas planas entretejidas entre sí. A su vez, el acercamiento al cubismo sintético lo anima a hacer formas simples y decididas, al que aúna el dinamismo del Futurismo junto a la técnica del collage y con frases que cuestionaban el titulo de la pintura, rompiendo con ello la tradición de la imagen sometida al título. Estas pinturas cubo - futuristas se construyen bajo un argumento alógico en el que se establece una relación aleatoria entre los objetos y el texto, de acuerdo a las normas de la poesía llamada Zaum.
A través de todos estos experimentos llega a producir primero su más famosa pintura titulada Cuadrado negro sobre fondo blanco, exhibida en diciembre de 1915 junto a un manifiesto en el que  propugna destruir la realidad de las cosas y abandonar la objetividad. Esta idea significa entonces el romper con la idea del arte ilusionista proveniente del Renacimiento para ir hacia un arte que busca rescatar el principio de Maurice Denis acerca del arte:

Recuerden que un cuadro – antes de ser un caballo de batalla, una mujer desnuda, o cualquier anécdota – es esencialmente una superficie plana cubierta de colores, aproximados en un cierto orden (Musée D’Orsay: Maurice Denis. 2006. P. s/f.)

Los motivos por los cuales Malevich se vio impulsado a esta tendencia fueron las ideas que tomara de Uspensky, un seguidor de Madame Blavatsky pero también influenciado en Platón, Plotino y los Upanishads. San Juan Damasceno toma estas ideas platónicas y las convierte al cristianismo cuando dice que cada ser recibe su existencia en un momento determinado, según su eterno pensamiento – voluntad, el cual es una predeterminación (proorismos), una imagen (Eikon) y su modelo (paradeigma). Tales ideas tienen lugar en su  energía. Es la concepción energética que corresponde al dinamismo cósmico y que aparece también en la Biblia (Evdokimov, Pavel, 1991. p. 112). Recordemos que Malevich era católico y vivió en el mundo campestre, donde la religión es parte importante de la vida. Por otra parte, la idea del abandono del realismo también pudo haberse estado influenciado en los iconos rusos que se caracterizan por evitar toda representación realista de sus figuras y las formas se establecen de acuerdo a una convención estilística. Por eso la imagen de Cristo debe parecer “No hecha por mano del hombre” (Evdomikov, Pavel, 1991. p. 148). Es decir, no debe ser realista.

En cuanto al uso de una imagen simple y plana, se inspiro también el pensamiento del filósofo alemán Richard Avenarius, quien rechazaba todos los proceso de pensamiento deductivo y proclamaba que la verdad podía ser aprehendida a través de la percepción inmediata (Golding, John, 2003. p. 68).  Es una “economía” de pensamiento.  
El Cuadrado blanco sobre fondo blanco, pintado en 1919, se rodea de un espacio en blanco es decir de vacio pero este vacío también es el espacio lleno de Tao, o lleno de aire, de un aroma luminoso (Racionero, Luis, 2008. p. 55 – 56). El color blanco es también el color de la luz, y que se vincula con el mundo celestial, con el Reino de Dios, tal como dice San Juan cuando refiere de Cristo que  dice:

Yo soy la luz del mundo, el que me sigue no anda en tinieblas sino que tendrá luz de vida (citado por Nieto Alcalde, Víctor, 1993. p. 45)

El objeto no solo está rodeado de luz sino que también emite luz, es decir que tiene un espíritu y se encuentra en un mundo espiritual. Es una pintura en donde no se busca la belleza ni emocionar sino la experiencia mística. Es un objeto en el momento de la transfiguración espiritual, reemplazando entonces al triangulo divino (Neret, Gilles, 2003. p. 49).No simboliza nada, pues no busca decir algo, ningún significado. No es pues el símbolo de la tierra, como antiguamente se vinculaba el cuadrado en las culturas antiguas, aunque Neret supone que se pudo inspirar en el texto de Lao Tze citado por Uspensky:

El Tao es un gran cuadrado sin ángulos, un sonido muy fuerte que no se puede oír, una gran imagen carente de forma (Neret, Gilles, 2003. p. 51).   

Este cuadro representa, pues, la fase final del Suprematismo, la fase blanca, que se equipara con la “pura acción”, un plan para un futuro más puro y mejor. Entonces la figura flota en ese vacío, donde:

… un arte sobre el vuelo, el ascenso del hombre al éter, el misterioso medio que transportaba la luz y que tantos ópticos y científicos del pasado creían que llenaba todo el espacio vacío. (Golding, John. 2003. P. 66).

Para Malevich, es un arte sin espacio y tiempo determinado, que habita en una cuarta dimensión, en donde el espíritu se separa de la naturaleza y logra la completa libertad, convirtiéndose en la forma pura universal, donde la esencia espiritual alcanza la conciencia y la percepción de sí misma (Citado por Golding, John, 2003. p. 71). De manera similar a lo que planteara San Basilio, quien dice que el hombre ha recibido la orden de hacerse dios según la gracia, ya que habiéndose acercado a la luz, el alma[i] se vuelve luz (Evdimikov, 1991. p. 187).
Malevich establece tres fases del Suprematismo: la primera es la del cuadrado negro, llamado también Economía (donde las ideas son reducidas a una); la segunda es roja o Revolución, y la tercera es blanca. Algo similar sucede en los cuentos populares rusos en donde la medición del tiempo se señala a través de la figura simbólica del caballero: el día, simbolizado por un caballero con caballo blanco; la tarde, simbolizado por un caballero con caballo rojo, y la noche es un jinete con caballo negro. Esa transformación física va hacia la transformación espiritual, en busca de la supremacía del sentimiento puro o percepción en las artes pictóricas, y en donde la revolución rusa no solo significaba la transformación de una sociedad sino también el surgimiento de una nueva sociedad en donde el materialismo seria abandonado para dar lugar a una libertad espiritual (Moma: collections). Es un arte universal (Citado por Neret, Gilles, 2003. p. 25).

Fuentes

1995                         ARNHEIM, Rudolf
         Arte y percepción visual. Madrid: Alianza Forma.

2003            BECKER, Udo
Enciclopedia de los símbolos. Barcelona: Ediciones RobinBook.             

s/f                   CENTRE POMPIDOU
“Le monochrome: parcours dans le les collections moderns et contemporaines 2011 – 2012”. Centre Pompidou. Consultado el 07/10/2016

1991           EVDOMIKOV, Pavel
         El arte del icono. Teología de la belleza. Madrid: Ediciones Claretianas.

1982           FAUCHEREAU, Serge
         Malevich. Madrd: Ed. Poligrafa.


S/f       GALERIA TRETYAKOV
Tretyakov State Gallery. Consultado el 06/10/10

2003             GOLDING, John
Caminos a lo absoluto: Mondrian, Malévich, Kandinsky, Pollock, Newman, Rothko y Still / tr. de Jorge Fondebrider. México, D.F.: Fondo de Cultura Económica. 237 p.: il.

1990             KRAMER, Hilton
“Art, revolution and Kasimir Malevich”. The New Criterion, November 1990. Consultado el 10/10/2016
(http://www.newcriterion.com/articles.cfm/Art--revolution--and-Kazimir-Malevich-5230)

s/f                 LAROUSSE
Encyclopédie Larousse en ligne – monochrome. Consultado el 10/10/2016. URL: (http://www.larousse.fr/dictionnaires/francais/monochrome/52271

s/f                 LIUKKONEN, Petri.
"Kazimir Malevich" . Libros y escritores (Kirjasto.sci.fi). Finlandia:  Kuusankoski Biblioteca Pública. Archivado del original el 10 de febrero de 2015. Consultado el 06/10/2016

s/f                  MUSEUM OF MODERN ART (MOMA)
“Suprematist Composition: White on White”. MOMA. Consultado el  07/10/2016

2003             NERET, Gilles
           Kasimir Malevich, 1878 – 1935 y el suprematismo. Koln: Taschen.

1996    NIETO ALCAIDE, Víctor
La luz, símbolo y sistema visual. (El espacio de la luz en el arte gótico y del renacimiento). Madrid: Arte Catedra.

2008    RACIONERO, Luis
Textos de estética taoísta. Madrid: Alianza Editorial. (El libro de bolsillo Arte).

2002              VALENZUELA GARCES, Jorge
“Malevich: el pintor de la energía”. Letras/Universidad Nacional Mayor de San Marcos, N° 103 – 104.  






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