sábado, 4 de enero de 2020

Estos son ejercicios de historia del arte y de curaduría

Este blog se creó en 2013 para difundir los mejores trabajos de los alumnos de distintos cursos que dicto en la Maestría de Historia del Arte y Curaduría de la PUCP, en Lima. Los ejercicios siguen las pautas de cada curso, que se detallan en los sílabos correspondientes.

Esperemos que ciertos elementos sean de utilidad para actuales, futur@s o pasad@s alumn@s de la carrera, cual sea su país. Si fuera el caso, les agradeceríamos su comentario en las páginas que les estimulen, con mención de su proveniencia.
Muchas gracias.

Mag. Patricia Ciriani
Profesora en la PUCP
Lima, marzo del 2014

lunes, 18 de septiembre de 2017

Art Nouveau: ¿Arte por el arte o arte socialmente comprometido?


ART NOUVEAU
¿ARTE POR EL ARTE O ARTE SOCIALMENTE COMPROMETIDO?

CONTENIDO

 I.   Presentación, ¿Arte por el arte?, Esteticismo, José Alegría

II.  ¿Arte socialmente comprometido?, William Morris y El Arte de la Gente, Carolina Cáceres

III.  Conclusiones , La visión de Walter BenjaminBertrand Valenzuela


PRESENTACIÓN

Modernismo en españa, Art Nouveau en Francia, Sezession en Austria, Jugendstil en Alemania, es un movimiento artístico de corta pero intensa vida, que se dio entre finales del siglo XIX e inicios del XX a través de muchos países europeos.

Por esta gran y desordenada variedad de nombres, podemos intuir que se trate más de una moda que de un movimiento artístico como los hemos pasado a entender durante el siglo XX.

Se caracterizó por la iniciativa, que podemos atribuir a John Ruskin y William Morris, de romper la distinción jerárquica impuesta por la academia, que separaba entre artes mayores y  menores, y de democratizar la belleza de modo que esta se encuentre en los objetos cotidianos, haciendo uso de las nuevas técnicas y medios de reproducción que permitió la revolución industrial.

Junto con el Simbolismo, se trató de una respuesta en contra de la pintura academicista, tanto como del impresionismo.

Podemos resaltar la búsqueda de formas orgánicas, la asimetría, formas libres y caprichosas, el abandono del realismo y el exotismo.

Debido a que este movimiento cuenta con un abanico muy extenso de expresiones, nos serviremos primero de la figura de Salomé para brindar ejemplos de las obras de este periodo en sus distintas manifestaciones y técnicas.


¿ARTE POR EL ARTE?
Esteticismo

Dadas las pretensiones de consciencia social que hemos esbozado brevemente, se entra en la discusión de si este fue un arte de verdadero compromiso social con los nuevos panoramas urbanos o si se trató de una moda hedonista para las élites burguesas.

Comenzaremos por tomar la posición de que se trate de un esteticismo, un culto a la belleza en sí  misma.

En esto también es clave mencionar la estrecha relación que existe con los pintores simbolistas. No existe tal cosa como un “manifiesto” que sintetice esta actitud estética y su receptividad hacia lo exótico y lo cruel. Este gusto ya se encontraba prefigurado a través de los poemas de Las Flores del Mal de Baudelaire publicado en 1857.

En la década de 1860, personajes de la bohemia del romanticismo tardío como Dante Gabriel Rosetti, sus seguidores prerrafaelitas, James McNeill Whistler y el arquitecto E. W. Godwin, emprenderían un movimiento artístico que llevaría la contra a la pintura académica, exponiendo sus obras en la Grosvenor Gallery en 177. Whistler y Godwin también diseñarian muebles y defenderían la posición de un gusto estético que fuera un fin en sí mismo, que respondía a la necesidad de belleza en la vida cotidiana.


Giovanni Boldini
El conde Robert de Montesquieu1897. 
Musée d’Orsay. 
Pintura que ejemplifica la moda de Dandi.
Se puede encontrar una formulación acertada en la novela A contrapelo (À rebours) de Joris-Karl Huysmans de 1884:

Para deleite de su espíritu y para regalo de su vista ansiaba algunas obras sugestivas, que le lanzaran a un mundo desconocido (…), que le perturbaran el sistema nervioso con histerias eruditas, pesadillas complicadas, visiones lascivas y atroces.”

Salomé es una figura que encarna por excelencia estas “visiones lascivas y atroces”, en la que se dan cita el exotismo, el orientalismo, la crueldad y modelos femeninos no convencionales que escapan a los cánones clásicos. Paralelamente en este periodo, inspirará obras teatrales, pintura, escultura, opera, grabados, afiches e ilustración gráfica.

Gustave MoreauSalome danzando ante Herodes1874-1876. 
Moreau se encuentra a medio camino entre el Romanticismo 
y el Simbolismo, siendo pionero de este último.    




























Gráfica impresa
(Izq.Salome.  Cartel litográfico de Alfons Mucha, 1897.  Mucha es considerado uno de los máximos exponentes del Art Nouveau.
(Der.) Cartel diseñado por Ludwig Hohlwein para la opera Salome de Richard Strauss 1910


(Izq.) Judith I, 1901, y Judith II, 1909, también llamada Salome, Gustav Klimt.
(Der.) Salome, Max Klinger, 1893 

Aubrey Beardsley, The Peacock Skirt, 1892































La obra teatral de Oscar Wilde sobre Salome, en su edición inglesa ilustrada por Aubrey Beardsley, publicada en 1894, encarna la última década de la era victoriana tanto como la última y más decadente fase de este esteticismo. En el estilo de Beardsley es visible la influencia del arte oriental, que había sido posible gracias a la circulación en Europa de grabadores del Ukiyo-e tales como Utagawa Kuniyoshi (1797-1861).

Por consiguiente, este motivo se encuentra representado en la variedad de técnicas y estilos que caracteriza el pluralismo técnico propuesto por el Art Nouveau, pero encarna los gustos de una burguesía decadente.








¿ARTE SOCIALMENTE COMPROMETIDO?
William Morris y el Arte de la Gente

Para exponer las ideas del arte socialmente comprometido en relación al Art Nouveau me remito a la figura de William Morris, cuya conferencia El Arte de la Gente [The art of the people] ofrecida a la Sociedad de Artes de Birmingham el 19 de febrero de 1879, he tomado para dar título a esta sección.                                                                                           

William Morris (Inglés, 24 Marzo 1834 - 3 Octubre 1896) fue un diseñador, artista, poeta, escritor, activista politico, agitador y socialista, asociado a la confraternidad Prerrafaelita y al Movimiento inglés de Artes & Oficios [Arts & Crafts Movement]. Propugnó con vehemencia y perseverancia la tranformación de la sociedad Victoriana de su época. Morris estaba convencido que la mecanización del trabajo –resultante de la industrialización que Inglaterra había llevado a cabo desde inicios del siglo XVIII con la introducción de las máquinas a vapor y la búsqueda insaciable de una ganancia económica- determinaba que el hombre trabaje en condiciones deplorables constriñendo su vida a lo que estas condiciones determinasen. Morris aspiraba a una sociedad más equitativa.    
                                                                                                                     
Para darnos una idea de las secuelas de la industrialización y de la época que a Morris le tocó vivir, nos remitimos a un par de ilustraciones que Gustave Doré (Francés, 1832-1883) realiza junto con el periodista inglés Blanchard Jerrold (1826-1884) en un peregrinaje que ambos hacen por Londres a lo largo de cuatro años transitando por los extremos de la vida en la ciudad, (London: A Pilgrimage, Grant & Co. 1872).
(Izq.) Sobre Londres, en tren, (Der. Butacas [palcos y platea], Ópera Convent Garden
Ilustraciones de Gustave Doré en: Blanchard Jerrold, Gustave Doré, London: A Pilgrimage, Grant & Co. 1872. The British Library
Aunque reseñar el pensamiento de Morris parece casi un imposible, diríamos que la siguiente frase refleja la fuerza motora de los cambios que gesta –en su trabajo como diseñador, en la organización y funcionamiento de su propia compañía., y a nivel político.   Aparte de mi deseo de producir cosas hermosas, la pasión principal de mi vida ha sido y es el odio a la civilización moderna”. En William Morris How I became a socialist [Cómo me convertí en Socialista] (1894).          

El periodo que marcará a Morris desde su niñez será el Medioevo. Bajo la influencia de John Ruskin quien propugnaba que una edificación y todos sus elementos debían constituir un todo armónico obligando al diseñador a estar familiarizado con las técnicas decorativas, Morris llevará a la práctica la materialización de unos ideales a partir de la creencia de una forma de trabajo armónica existente en los talleres medievales altamente organizados, cuya evidencia más palpable fue dejada en las grandes edificaciones del periodo, pero por artesanos anónimos a quienes Morris considera los verdaderos constructores de las mismas.

La Casa Roja, construida en 1859 en Bexleyheath  –en ese entonces un área rural- será construida según el deseo de Morris de tener una casa moderna en la que se respire un “espíritu bastante medieval”. En relación a la decoración de la casa dirá más adelante “No tengan nada en sus casas de lo que no sepan su utilidad o que no crean que sea hermoso”. (En The Beauty of Life [La Belleza de la Vida] conferencia ofrecida en la Sociedad de Artes de Birmingham, 19 de febrero de 1880).
Dibujos del interior de la Casa Roja de Morris en Bexleyheath, Kent (hoy en día parte de Londres), 1859

(De Izq a der) Escalera de roble, Aparador de cuerpo entero, Corredor con arco de ladrillo visible
En Antoine Capet, A Visit to Red House: "The birthplace of the Arts & Crafts Movement"
Su posición frente a las llamadas artes menores y al trabajador manual se pueden reseñar con ideas expresadas en su conferencia The Lesser Arts [Las artes menores], ofrecida al Trades Guild of Learning [Gremio de Oficios], el 4 de diciembre de 1877.
  • Separación prejudicial de las grandes artes (escultura y pintura) de las llamadas artes decorativas: “las llamadas [artes] menores se vuelven triviales, mecánicas, poco inteligentes, incapaz de resistir los cambios e influencia de la moda o la deshonestidad, mientras que las grandes, asi sea practicada por grandes mentes y hábiles manos industriosas, sin ayuda de las menores, [o] sin ayuda entre ellas, con seguridad perderá su dignidad de artes populares, y terminará convertida en aburridos accesosorios sin significado, o será un juguete ingenioso para unos pocos hombres ricos y ociosos”.
  • “Se trata de artes inventadas para la expresión del deleite del hombre en la belleza, han sido el deleite y alegría de los países libres, usadas y elevadas por la religion, en especial han suavizado la labor del hombre como  artesano, que pasa toda su vida trabajando en ello, nos dan alegría en la vida, y nuestro descanso fructifero”.
  • “... todo lo que hacen las manos del hombre tiene una forma, que puede ser bella o fea; bella si está en concordancia con la Naturaleza y la ayuda; fea si está en discordancia con la Naturaleza y la estropea; no puede ser indiferente. . .”

Morris & Co. Talleres de impresión de telas y de tejido de alfombras en los talleres de Merton Abbey
        En Morris el Empresario.

Morris llevará a la práctica estas ideas a través del rescate de métodos de producción tradicional en madera, bordado, metal, vidrio, textiles, o el uso de tintes vegetales aprendiendo primero él mismo estas técnicas para luego compartirlas con su entorno y capacitar al personal de su compañía. El siguiente ejemplo muestra la producción de un papel para pared, pintado con bloques de madera de Morris & Co.:

Para cada rollo de papel pintado de este diseño se usan 30 bloques de madera, 15 colores diferentes, cada uno de los cuales se prepara con una receta, el color se verifica con la paleta original, la tinta se vierte sobre una almohadilla, se entinta el primer bloque y se coloca sobre el papel presionando con una fuerza determinada. 
Unos pernos alinean el bloque con la sección anterior, se deja secar el primer color, y el segundo color se coloca sobre el primero, luego el tercer bloque sobre el segundo y así sucesivamente hasta terminar los 30 bloques.  El proceso que en total tomará 4 semanas incluye una revision del rollo y retoque de las fallas.
Así por cada rollo de papel de cada uno de los 50 diseños que Morris creó.
Video: Block-printed wallpaper, en el Victoria & Albert Museum

Fachada de la tienda Morris & Co.
en el 449 de la calle Oxford en Londres
Fotografía después de 1882
Biblioteca de la Universidad de Maryland
Morris recalcará en la conferencia The art of the people [El Arte de la Gente] ofrecida a la Sociedad de Artes de Birmingham el 19 de febrero de 1879, que las mejoras en las artes como la pintura, “solo han llegado a un pequeño grupo de personas, mientras que gran parte de [la] poblacion ni siquiera se ha visto tocada por ellas” a pesar que en Inglaterra la pintura “se ha desarrollado expresando un sentido de belleza que el mundo no ha visto en los últimos 300 años”, y que “en la arquitectura asi como en las artes que la sirven han habido grandes mejoras”.

Un año después –y en la misma fecha- Morris volverá a dirigirse a un auditorio congregado en la misma Sociedad, ofreciendo la conferencia The Beauty of Life [La Belleza de la Vida] de la que citamos lo siguiente: “Qué otra cosa podemos hacer para ayudar con nuestra educación y la de otros en la trayectoria del arte, salvo estar en el camino de alcanzar un Arte hecho por la gente y para la gente como una alegría para el creador y para el usuario?” 


William Morris
Diseño para la tarjeta de membrecía de la Federación 
Democrática ca. 1884, 8.5 x 14.5 cm.
Trades Union Congress Library Collections
Morris será consciente que el modo de producción tradicional no podrá tener el alcance o poder para cambiar las estructuras de la sociedad a menos que canalice su discurso a través de la esfera política.  Entre 1884 y 1890 intensifica su papel de activista a través de su participación, primero en la Federación Democrática y luego en la Liga Socialista de la que es miembro fundador y de la que se separará al final de la década.


Publicará dos años antes de su muerte el texto How I became a socialist (1894) de donde citamos lo siguiente: 

“Lo que quiero decir por Socialismo es una condición de la sociedad en la que no exista ni rico ni pobre, ni amo ni hombre subyugado, ni ocioso ni sobrecargado de trabajo, ni trabajadores enfermos del cerebro ni enfermos del corazón, en una palabra, [una condición] en la que todos los hombres vivan en igualdad de condiciones, y que manejen sus asuntos sin desagrado, y con la plena conciencia que dañar a uno sería dañar a todos –la realización al fin del significado  de la palabra mancomunidad”.

Las ideas y productos diseñados por Morris tendrán amplia difusión más allá de las fronteras del Reino Unido.  Llama la atención que un año después de su muerte, Henri Cazalis (1840-1909), medico y poeta del simbolismo francés, así como autor del libro L'Art nouveau, dé una conferencia sobre Morris y el Movimiento de las Artes Decorativas, en Ginebra, la misma que será publicada bajo el seudónimo de Jean Lahor.

W. Morris et le mouvement nouveau de l'art décoratif : conférence faite à Genève
en l'Aula de l'Université, le 13 janvier 1897 / Jean Lahor (H. Cazalis).
Biblioteca Nacional de Francia
A pesar que las ideas de Morris encontrarán oposición en su natal Inglaterra la comisión organizadora de la presencia inglesa en la Exposición Universal de París de 1900, incorporará un tapiz diseñado y preparado en su compañía. El Pabellón Real (Royal Pavilion) será la réplica de una “encantadora casa inglesa” –la Kingston House de principios del siglo XVII cuya sala incorpora un tapiz diseñado por Edward Burne-Jones, amigo entrañable de Morris desde sus épocas de estudiantes en Oxford. El tapiz es el primero de un conjunto de paneles preparados por encargo de William Knox D'Arcy para el comedor de su casa. Se trató de la producción más compleja asumida por Morris & Co. terminada en 1893 en Londres. La serie completa será preparada una vez más para George McCulloch, socio de D'Arcy entre 1898-99, y el primer panel de esta segunda producción será mostrado al público asistente a la exposición de 1900 en París.
(Izq)  Sala del Royal Pavillion de Inglaterra en la Exposición Universal de París, 1900 Fotografía publicada en Country Life, 1900. (Der) Primer panel de la serie Búsqueda del Santo Grial -Caballeros de la Mesa Redonda convocados a la búsqueda por una dama desconocida. Tapiz de urdimbre, lana y trama de seda en urdimbre de algodón de 245 x 535 cm. Birmingham Museum and Art Gallery
Walter Crane, artista y diseñador, seguidor de las ideas de Morris, estará involucrado en la actividad política como socialista –y al igual que Morris desde 1884, difundiendo los ideales del movimiento Arts & Crafts en especial la del trabajador manual desde esta plataforma. Un ejemplo lo vemos en El Triunfo del Trabajo diseñado para conmemorar el 1º de Mayo de 1891, día Internacional del Trabajo –como reza la dedicatoria en el borde inferior del diseño. Agregará proclamas como El trabajo es la fuente de riqueza o La Tierra para la gente.
Walter Crane –diseñador, y Henry Schell -impresor.  El Triunfo del Trabajo  -Inscripción sobre el borde inferior: Diseñado para conmemorar el 1º de Mayo de 1891, Dia Internacional del Trabajo / y dedicado a todos los trabajadores asalariados de todos los países. Publicado inicialmente en el Pall Mall Budget, el 30 de abril de 1891. Papel, impreso en bloque de madera, 34.2 x 81.3 cm. , Información del British Library. Imagen tomada de http://cediasbibli.org/opac/index.php?lvl=notice_display&id=84097    
La visión de Walter Crane en relación a los ideales del movimiento, se pondrá en evidencia en la Exposición Internacional de Arte Decorativo en Turín de 1902 ya que estará encargado de la organización de la sección inglesa. En esta exposición, los otros países participantes mostrarán piezas decorativas en el contexto de una sala de venta donde el visitante podrá contemplar las piezas organizadas en un interior doméstico como lo que vemos para el caso de Francia, estableciendo una conexión más directa entre la pieza, su función en un espacio doméstico y el consumidor.  A diferencia de Inglaterra que presentará las piezas agrupadas por diseñador y materiales pero mostradas en paredes o en vitrinas, adoptando en conjunto una exhibición de museo. La presentación inglesa será destacada por su simplicidad, y la calidad en la ejecución de los productos; sin embargo será criticada por no haber adoptado una presentación similar a los demás países donde el valor de la pieza decorativa está mostrada en función a su consumo.
Pabellones de Francia e Inglaterra en la Exposición Internacional de Artes Decorativas de Turín, 1902
(Izq.) George de Feure, vestidor de dama presentado en la Exposición Universal de París en 1900 y recreado por Siegfried Bing para la ocasión en Turín. (Der.) Sección inglesa presentada por la Arts & Crafts Exhibition Society de Londres preparada por Walter Crane. Esta sala con piezas de su creación.

CONCLUSIONES
La visión de Walter Benjamin

En sus inicios, la concepción del Art Nouveau fue la de un arte comprometido socialmente, una reacción contra la civilización industrial y sus producciones en serie, carentes de personalidad y sensibilidad. Se creía que la producción a mano llevaba calidad de vida a los trabajadores, embellecía la vida cotidiana. Finalmente, estos ideales terminan siendo difíciles de llevar a cabo en plena era de la mecanización, donde la artesanía termina siendo producción de lujo. El Art Nouveau se vuelve entonces principalmente un arte decorativo, de fácil interpretación, ligado a una élite: una burguesía decadente. Es el arte de la Belle Epoque.
Alphonse Mucha (1860-1939)
La danza (1898)
Litografía de 38 x 60 cm
.
Colección privada
El Art Nouveau es también un regreso al espiritualismo y a la naturaleza, a través de sus líneas ondulantes, curvas sinuosas y  formas orgánicas y asimétricas.

Antonio Gaudí (1852-1926). Casa Milà 1906-1910 Barcelona.
Walter Benjamin consideró en un principio el Art Nouveau como un fracaso: “El Jugendstil es el segundo intento por parte del arte en llegar a un acuerdo con la tecnología. El primer intento fue el realismo” (The Arcades Project) Sin embargo, la posición de Benjamin posteriormente fue diferente. En el mismo The Arcade Project (sección S), Benjamín afirma: “Tal vez se debería intentar ampliar el alcance de esta investigación hasta el umbral de la guerra, trazando la influencia del Jugendstil sobre el Jugendbewegung (movimiento juvenil)”.

El Jugendbewegung consistía en un movimiento de reforma educativa alejado del modelo educativo prusiano autoritario existente. Los grupos juveniles adscritos a esta reforma integraban a la educación una serie de actividades al aire libre como la jardinería, caminatas al aire libre, y la natación entre otras. Un ejemplo representativo de estos grupos fue el conocido como Wandervögel. Se sabe que los jóvenes de este grupo realizaban ritos folklóricos basados en caminatas, campamentos y una celebración casi religiosa de la naturaleza. Decoraban sus revistas con grabados en un estilo muy similar al Jugendstil. Se caracterizaban principalmente por su anarquismo neo-romántico y su acentuada xenofobia y anti-semitismo. Su lema era: “Derrotar al capitalismo a través del senderismo”. Todo esto reforzaría la idea mencionada acerca del Art Nouveau como una forma de identificación nacionalista.
Benjamin retomaría más tarde su idea,  y como lo menciona en algunas cartas dirigidas a sus amigos Schoelem y Hofmannsthal en 1929, trabajaría en un estudio sobre el Jugendstil, ahora perdido. Sin embargo, a través de diversos textos conservados puede ser posible reconstruir  este ensayo perdido de Benjamin. Una de estos textos conservados es el titulado “Die singende Blume oder die Geheimnisse des Jugendstils" (La flor cantante o los secretos del Jugendstil) de 1930. 

En esta obra, Benjamin hace referencia a una figura alegórica: la flor. Dice Benjamin: “En la flor, la idea de la perversión está ligada a la juventud”. Se entiende entonces que el sentido de emancipación de estos Jugendbewegung y del propio Jugendstil está ligado a la perversión.

Benjamin pretendía teorizar a través de este ensayo perdido sobre la posibilidad de una “arquitectura al aire libre”, una especie de ambiente libre en donde el aire y el agua serían controlados y acondicionados, terminología por otro lado que introduciría un léxico característico del siglo XX.

Finalmente, el Art Nouveau llegó a definirse como un arte erótico y sensual por excelencia. Al respecto, podemos mencionar las palabras de Van der Velde, de clara influencia Nietzcheana: “Cualquier línea debe recibir necesariamente un complemento, para crear las líneas femeninas y masculinas que penetran la una a la otra”.



Los grabados simbolistas de Fidus o la obra Der kuss de Peter Behrens son una buena muestra de este universo lúdico y erótico. También este aspecto está claramente reflejado en la literatura de la época.  Personajes femeninos como Lulu de Frank Wedekind son considerados la quintaescencia de la heroína de 1900, en su afán de enfrentar los estándares morales de la burguesía.

Para terminar, una última frase de Walter Benjamin: El punto extremo de la organización tecnológica del mundo es la liquidación de la fertilidad”. Es esta liquidación de la fertilidad la que se percibe a través del arte decadente de esta época, como un último eco del esteticismo y de un mundo que desaparece para siempre.
Carátula de un programa de
Los Ballets russes anunciando el
Prélude à l'apreès-midi d'un
faune
de Claude Debussy



El Art Nouveau en la música: Prélude a l'apres midi d'un faune de Claude Debussy.

Bierbaum:  “Canta, flauta, tu oración de la lujuria. Este es el sentido sagrado de la vida” (‘Flaunsflütenlied’).

Prélude a l'apres midi d'un faune de Claude Debussy interpretado por La Orquesta Sinfónica de Boston, conducida por Leonard Bernstein. Disponible en
https://www.youtube.com/watch?v=EvnRC7tSX50